高承胤 單簧管演奏與教學

國際性頂尖的演奏家們，或是你可以想像得到的那些，名音樂院學生、音樂大賽得主，幾乎沒有人會因為點舌不好而困擾，他們也許曾經下過苦工，但絕大多數都是"不曾遭遇挫折"的天之驕子(女)。

是有點羨慕吧，但是看在平凡如我的眼裡，坦白說，心照不宣的其實是嫉妒。

為何可以"不曾遭遇挫折"？我們依然用比喻的方式來解釋。

脊椎側彎是現代很普遍的文明病，嚴重的話會影響生活作息，不嚴重或是可能只是容易腰酸背痛。有些人，不曾有過脊椎側彎的困擾，對他們來說，保持姿態的端正是很稀鬆平常、不刻意的事情，脊椎健康良好對他們來說是理所當然的事，對於站姿座姿歪七扭八卻渾然不自知的人，他們只覺得"你們很奇怪，阿就坐好站好是有困難嗎？"。我是個脊椎不好的人，我經常坐在電腦前面玩電腦遊戲：沉迷遊戲時，打副本忙都忙不過來了，誰還會端座阿！所以，等遊戲結束，腰酸背痛的時候，我才只好認真地拉拉筋骨，設法對我的脊椎做出一點點補償的伸展動作；然後，下次去看中醫的時候，再順便一邊被推拿師碎唸、一邊被按摩並且痛得唉唉叫。我自找的，或說我們都是自找的。

前一篇文章，我零零總總寫了一大堆關於單簧管演奏者舌頭的解釋，不瞞你說，如果我今天是世界級的音樂家，我對這類文章定然嗤之以鼻。

芬蘭作曲家尼爾森在晚年所寫，獻給單簧管與單簧管演奏者的精采樂章，在調性模糊的自由國度裡漫遊著、衝突著，時而歇斯底里，時而幽怨動人。演奏這首曲子的時候，那些如同機關槍的點舌，老實說是我三年前完全演奏不出來的，所以學期初老師跟我確定曲目時，決定吹尼爾森等於是讓我檢視自己，到底有沒有能力突破困境，並在離開美國之前把自己逼到極限。

當然，不要只被技巧上的困難度所震懾，尼爾森的慢板與歌唱般的旋律線條，若是處理得當，美得令人動容。

欣賞一段好的斷奏(點舌，Staccato)，那種大珠小珠落玉盤的顆粒性美感，總令人覺得心曠神怡。相對於弦樂的跳弓或撥奏，單簧管的斷奏其清潔度、穩定度、精確度，都是衡量演奏者實力的指標之一，諸如孟德爾頌仲夏夜之夢的詼諧曲(Mendelssohn/ Mid Summer night dream, Scherzo)，或西貝流士第一號交響曲的詼諧曲(Sibelius/ Symphony no.1, Scherzo)，都是考樂團、考學校的必考樂團片段。那種高下立判的壓力，幾乎每個考者面對這個考題，莫不使出渾身解數，調整到自己的最佳狀況才能夠完美地演奏出來。

接下來我要開始說明，我自己所認為的，單簧管演奏者舌頭的奧秘。

前提：你必須要相信/了解，吹奏單簧管時，舌頭的位置/形狀/動作會影響聲音。

1. 舌頭在口腔內的整體位置：當你不說話、沒吃東西、嘴巴是閉上的，此時舌頭在口腔內的位置，幾乎就是你含了吹嘴並送氣時，舌頭該在的位置。

2. 舌頭分前段、中段、後段：前段就是舌尖以及周圍的舌緣，專門負責執行觸碰/抽離竹片尖端的動作；中段必須維持上述提到的舌頭位置，些微靠近上顎但依然放鬆；後段也就是舌根的部位，這個部分經常牽引到喉嚨，負責協助控制各個不同的泛音域以及共鳴點。

< 2012/03/10/巴赫廳/巴赫新聲系列音樂會：高承胤單簧管獨奏會 >

聖桑，在浪漫後期調性的發展已經達到極限，諸多音樂家正在論辯下個世代的音樂走向，選擇回歸調性音樂的本我。

這首在他創作生涯晚期完成的室內樂作品，自然而毫不作做地流露出作曲家的品味、以及圓潤成熟的結構和音樂語法。演奏時，不需要太刻意加油添醋，反而專注於作曲家在(音量或音樂織度)層次上的鋪陳安排，適切的樂句處理和音色的掌握，才不會以錯誤的風格做出錯誤的詮釋。

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這首舒曼，延續我在印第安那畢業音樂會的風格和原則：

單簧管線條自身的明暗對比，與鋼琴對話互動的緊密程度，都要盡可能的表現出來。

適切安排的彈性速度，各種個性的鮮明對比，正確的樂句處理，演奏此曲時必須將所有細節嚴格遵守，否則將失之平淡無趣。

謹寫給所有的單簧管演奏者，剖析一件相當重要的，關鍵性的核心議題：

到底是什麼阻礙了我的進步，讓我的演奏程度似乎到此為止了？ 

第四樂章，作為一段整個奏鳴曲的總結，布拉姆斯選擇一個明朗又活潑的風格，打算一掃前面的陰霾。第一主題的線條裡夾雜著跳音必須要輕巧而流暢，有些號角式的音型必須要注意適當的音量和重音的音色品質，鋼琴在主奏的時候單簧管的比例也要適度調整，這關係到使用的鋼琴和伴奏者本身的演奏音量，使得兩者的線條在交錯時，結構必須是清楚、合理、主僕分明、卻又水乳交融的。

速度可以稍有彈性，可以稍快，但依然不可以急躁或流於炫技。

我先自首，這個樂章，我對自己的表現很不是滿意，因為我的嘴型在演奏大的音程時還不夠穩定，所以音色跑來跑去甚至還爆了音。

撇開這些錯誤的示範回到正題，演奏這個樂章要注意的是節奏的律動。三拍子，不是華爾茲卻是蘭德勒舞曲，一種德國的憨厚而樸實的舞蹈。弱起拍，還有被強調的第二拍(鋼琴)，增添了不少布拉姆斯式節奏錯落的優雅感。上述這些元素必須被忠實的呈現，而不能傻傻的演奏以往熟悉的"強-弱-弱"節奏，速度上也不宜太快免得失去了典雅的氛圍。

此樂章像是在轉圜第二樂章鬱窒的情緒，所以音色上也可以在明朗些，但不需要太大聲。
 

延續上一篇，這是我最喜歡、也是多數人所珍愛的一段優美樂章，當然，這份優美不是來自於華麗或浪漫，而是種不可言喻深沉情愫；布拉姆斯並沒有特別說明，此樂章有何特殊的典故或靈感來源，我就不需要過多聯想，以後有機會可以另外在討論分享關於欣賞此樂章的心得。

優雅如歌的旋律，卻充滿著嘆息音型，流動分解和絃隨著和聲的進行，宛若要將場景不知帶到心底的哪一層。

這是我在美國第一年的音樂會，當時還在改嘴型所以音色有時候會跑掉，不過詮釋方面就完全是，"當年"Mr. Campbell的品味與指導了。

奏鳴曲式的第一樂章，嚴謹的鋪陳與結構；如何詮釋布拉姆斯晚期，極度浪漫卻又適可而止的矜持，是演奏者必須要詳加思考並規劃的。樂句裡音量上的拿捏、單簧管與鋼琴的聲響比例，都必須要注意平衡，甚至是音色上也不能因為大聲強奏而讓聽者感覺到壓迫感，或是濫情。漫長綿延的樂句，呼吸的時間點和深淺，音樂的走向，節奏的變換，都需要仔細處理。